Y los nominados son…

Antes de arrancar con las reseñas y predicciones de todos los films, artistas y cortometrajes que pelearán el próximo 2 de marzo en la 86° edición de los premios de la Academia, a modo introductorio Critic from the Crypt arma una lista con todos los nominados y sus antecedentes en cuanto a galardones, para así ir armando los «rings de batalla».

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Mejor película

– 12 Years a slave (Steve McQueen)
– American hustle (David O. Russell)
– Dallas buyers club (Jean-Marc Vallée)
– Gravity (Alfonso Cuarón)
– Her (Spike Jonze)
– Nebraska (Alexander Payne)
– Philomena (Stephen Frears)
– Captain Phillips (Paul Greengrass)
– The wolf of Wall Street (Martin Scorsese)

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Mejor dirección

– Alfonso Cuarón por Gravity
– Martin Scorsese por The wolf of Wall Street
– Alexander Payne por Nebraska
– Steve McQueen por 12 years a slave
– David O. Russell por American hustle

Alfonso Cuarón ha sido nominado en 2002 como mejor guion original por Y tu mamá también, y en 2006 su película Children of men fue candidata a llevarse la estatuilla por mejor montaje y mejor guion adaptado, sin poder llegar a quedarse con ninguno de estos galardones. Con Gravity, por su parte, ya ha conseguido proclamarse como mejor director tanto en los Golden Globes como en los Critics’ Choice Awards. Martin Scorsese ya cuanta con más experiencia en el rubro, habiendo ganado en 2006 en esta misma categoría con su film The Departed y habiendo estado nominado a mejor director nada menos que ocho veces. Para Alexandre Payne es la tercera nominación como mejor director, no habiéndolo conseguido anteriormente con Sideways (2004) ni con The Descendants (2011). Steve McQueen compitió en esta misma categoría en los Golden Globes, no pudiendo vencer a Cuarón quién fue el ganador, pero consiguiendo el galardón a mejor película en los Critics’ Choice Awards. Para David O. Russell también es la tercera nominación respecto a su dirección, sin poder conseguirlo anteriormente el año pasado con Silver Linings Playbook ni en 2010 con The Fighter.

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Mejor actor

– Chiwetel Ejiofor por 12 years a slave
– Leonardo DiCaprio por The wolf of Wall Street
– Matthew McConaughey por Dallas buyers club
– Bruce Dern por Nebraska
– Christian Bale por American Hustle

¿Será este, al fin, el momento en que veremos subir a Leonardo DiCaprio al escenario para agradecer su premiación como mejor actor? El caso es que anteriormente lo ha tenido bien merecido, y es momento de que se tome revancha. Leo fue nominado anteriormente en tres ocasiones, por The Aviator (2004) y Blood Diamond (2006) como mejor actor y, más lejano en el tiempo, como mejor actor de reparto por su exquisita interpretación en What’s eating Gilbert Grape (1993).  Por otra parte, Matthew McConaughey se ha reivindicado, mostrando la calidad de su trabajo y eligiendo papeles en los que se luce, como es el caso de Dallas buyers club, cosa que supieron valorar los Golden Globes y el Sindicato de Actores al proclamarlo como mejor actor. Por otro lado, Christian Bale ya cuenta con un Oscar pero como mejor actor de reparto, por The Fighter (2011), mientras que para Bruce Dern y Chiwetel Ejiofor es su primera nominación.

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Mejor actriz

– Cate Blanchett por Blue Jasmine
– Amy Adams por American hustle
– Sandra Bullock por Gravity – Meryl Streep por August: Osage County
– Judi Dench por Philomena 

Cate Blanchett se estaría llevando su segundo Oscar, habiéndolo ganado anteriormente en 2004 como mejor actriz de reparto por The aviator. Por Blue Jasmine, ya se llevó un Golden Globe, un Critics’ Choice Awards y el premio del Sindicato de Actores. Amy Adams también se llevó el Golden Globe a la mejor actriz, pero en este caso en la categoría comedia o musical. Por otro lado, Sandra Bullock ya cuenta con una estatuilla por su rol en The blind side, pero por Gravity ya se ha llevado el reconocimiento a la mejor actriz en el Hollywood Film Festival, en los People’s Choice Awards y también en los Critics’ Choice Awards. Meryl Streep, por su parte, no deja de demostrar que es la favorita de Hollywood, habiendo recolectado ya tres Oscars, aunque nada parecería indicar que este año el número ascendiera a uno más. Por último, Judi Dench ya tiene en su haber la estatuilla a mejor actriz de reparto que se llevó en 1998 por su interpretación en Shakespeare in love.

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Mejor actor secundario

– Michael Fassbender por 12 years a slave
– Jared Leto por Dallas buyers club
– Bradley Cooper por American hustle
– Jonah Hill por The wolf of Wall Street
– Barkhad Abdi por Captain Phillips 

Michael Fassbender tiene en su haber una cantidad considerable de premios ganados en su Europa natal y por 12 years a slave ya consiguió galardones en Australian Academy of Cinema and Television Arts, Capri, Hollywood, Kansas City Film Critics Circle Awards, siendo esta su primera candidatura a los premios de la Academia. También es Jared Leto quien debuta en los Oscars, pero con mejor pronóstico, ya que es el favorito de todas las apuestas, las cuales, además, se consolidan con sus victorias en los premios del Sindicato de actores, los Golden Globes y los Critics’ Choice Awards. Bradley Cooper se quedaría nuevamente con las ganas de Oscar, ya que el año pasado no pudo llevarse el galardón como mejor actor por su rol en Silver Linings Playbook. Respecto a Jonah Hill y a Barkhad Abdi, son sus primeras nominaciones en los premios.

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Mejor actriz secundaria

– Lupita Nyong’o por 12 years a slave
– Jennifer Lawrence por American hustle
– June Squibb por Nebraska
– Julia Roberts por August: Osage County
– Sally Hawkins por Blue Jasmine

Lupita Nyong’o, la gran revelación y la candidata más firme a quedarse con la victoria, ya cuenta en su haber con un SAGA por esta interpretación. Jennifer Lawrence, quien el año pasado se llevó el Oscar a la mejor actriz, en esta ocasión compite como actriz de reparto, papel que ya le valió un Golden Globe y el premio del Sindicato de Actores.  June Squibb por el momento sólo ha cosechado un Boston Society of Film Critics Award en esta misma categoría, mientras que Julia Roberts ya cuenta en su haber con el Oscar a mejor actriz ganado en el año 2000 por Erin Brockovich. Sally Hawkins también es primeriza en esta candidatura.

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Mejor película de habla no inglesa 

– Jagten (Thomas Vinterberg) 
– The broken circle breakdown (Felix Van Groeningen) 
– La grande bellezza (Paolo Sorrentino) 
– Omar (Hany Abu-Assad) 
– L’image manquante (Rithy Panh)   

Jagten (cuya traducción al español es La caza) se exhibió por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2012 y ese mismo año ganó el premio del jurado Ecuménico en el Festival de Cannes y como mejor guion en los Premios del Cine Europeo, teniendo en total 16 premios y más de 20 nominaciones. The broken circle breakdown, por su parte, tiene en su haber galardones en los European Film Awards, en el Tribeca Film Festival y en el Washington D.C. Area Film Critics Association. El film italiano nominado en esta categoría, La grande bellezza, ganó el Golden Globe en esta misma categoría, consiguiendo quince victorias más en diferentes premios. La palestina Omar ha cosechado gran reconocimiento en el Festival de Cannes, consiguiendo éxito también en el Dubai International Film y en los Asian Pacific Screen Awards, llevándose, en este último, el protagonista (Adam Bakri) el triunfo como mejor actor. Por último, L’image manquante, sería la primera película de Camboya a alzarse con el Oscar y ha ganado el premio a la mejor película en la sección Un certain regard de la última edición del Festival de Cannes.

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Mejor película de animación

– Kaze tachinu (Hayao Miyazaki)
– Frozen (Chris Buck, Jennifer Lee)
– Despicable me 2 (Pierre Coffin, Chris Renaud)
– The croods (Chris Sanders, Kirk DeMicco)
– Ernest et Célestine (Stéphane Aubier, Vincent Patar, Benjamin Renner)

Kaze tachinu (Se levanta el viento en Hispanoamérica y The wind rises en Estados Unidos) escrita y dirigida por el artista japonés responsable de películas como Mononoke Hime, Sen to Chihiro no kamikakushi y Hauru no Ugoku Shiro, se exhibió en la 61° edición del Festival de Cine de San Sebastián en la sección Perlas como así también en el Festival de Cine de Toronto y fue de los pocos films de animación presentes en el Festival de cine de New York. Frozen, la producción de Walt Disney Animation Studios, ya se alzó con la victoria en esta misma categoría en los Golden Globes. La segunda parte del “villano favorito” ya ha conseguido el People’s Choice Awards como mejor película familiar y el premio BAFTA Kid’s Vote mientras que The Croods, producida por Dreamworks, se proclamó ganadora del BMI Film & TV Music Awards mientras que Ernest et Célestine cuenta con el respaldo del Centro de Cine y Audiovisual de la Federación Valonia-Bruselas.

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Mejor guion original

– American hustle (David O. Russell)
– Nebraska (Alexander Payne)
– Her (Spike Jonze)
– Dallas buyers club (Jean-Marc Vallée)
– Blue Jasmine (Woody Allen)

Para David O. Russell es su segunda nominación en esta categoría, sin poder conseguirlo el año pasado con Silver Linings Playbook. Alexander Payne tiene en su haber dos Oscars pero como mejor guion adaptado por Sideways (2004) y The Descendants (2011). Spike Jonze logró la victoria en esta categoría en los Golden Globes. Para Jean-Marc Vallée es su primera vez mientras que Woody Allen fue premiado en 1977 por Annie Hall, en 1986 por Hannah and her Sisters y en 2011 por Midnight in Paris, quedando sin obtener otras 12 diferentes conquistas con sus guiones originales.

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Mejor guion adaptado

– 12 years a slave (Steve McQueen)
– Before midnight (Richard Linklater)
– The wolf of Wall Street (Martin Scorsese)
– Captain Phillips (Paul Greengrass)
– Philomena (Stephen Frears)

En esta misma terna, 12 years a slave ya se ha ganado en los Critics’ choice movie awards, en el Festival de Cine de Capri, en la Sociedad de Críticos del Cine de Houston, en la Sociedad de Críticos de Cine Online y en otras diversas sociedades críticas a lo largo del mundo, al igual que Before midnight.  Scorsese, por su parte, compite por tercera vez en en esta categoría, mientras que Greengrass no pudo conseguirlo en 2006 con United 93 y el guin Fears es primerizo en los Oscars.

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Mejor fotografía

– The grandmaster (Wong Kar-Wai)
– Nebraska (Alexander Payne)
– Prisoners (Denis Villeneuve)
– Inside Llewyn Davis (Joel Coen, Ethan Coen)
– Gravity (Alfonso Cuarón)

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Mejor dirección de arte

– 12 years a slave (Steve McQueen)
– Gravity (Alfonso Cuarón)
– Captain Phillips (Paul Greengrass)
– Her (Spike Jonze)
– The great Gatsby (Baz Luhrmann)

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Mejor sonido

– Gravity (Alfonso Cuarón)
– Captain Phillips (Paul Greengrass)
– All is lost (J.C. Chandor)
– The Hobbit: the desolation of Smaug (Peter Jackson)
– Lone survivor (Peter Berg)

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Mejor cortometraje de ficción

– Aquél no era yo (Esteban Crespo) 
– Helium (Anders Walter) 
– Avant que de tout perdre (Xavier Legrand, Alexandre Gavras)  
– Pitääkö mun kaikki hoitaa? (Selma Vilhunen) 
– The Voorman problem (Mark Gill) 

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Mejor banda sonora

– The book thief (por John Williams) – escuchar –
– Gravity (por Steven Price) – escuchar –
– Her (por William Butler y Owen Pallett) – escuchar –
– Philomena (por Alexandre Desplat) – escuchar –
– Saving Mr. Banks (por Thomas Newman) – escuchar –

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Mejor canción original

– The moon song  para Her [música por Karen O; letra por Karen O y Spike Jonze] – escuchar –
– Happy para Despicable me 2 [música y letra por Pharrell Williams] – escuchar –
– Ordinary love para Mandela: long walk to freedom [música por Paul Hewson (Bono), Dave Evans, Adam Calyton y Larry Mullen; letra por Paul Hewson] – escuchar –
– Let it go para Frozen [música y letra por Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez] – escuchar –
– Alone not yet alone para Alone not yet alone [Música por Bruce Broughton; letra por Dennis Spiegel] – escuchar –

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Mejor edición

– American hustle (Jay Cassidy, Crispin Struthers y Alan Baumgarten)
– Captain Phillips (Christopher Rouse)
– Dallas buyers club (John Mac McMurphy, Martin Pensa)
– Gravity (Alfonso Cuarón, Mark Sanger)
– 12 years a slave (Joe Walker)

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Mejores efectos visuales

– Gravity (Tim Webber, Chris Lawrence, David Shirk, Neil Corbould)
– The Hobbit: the desolation of Smaug (Joe Letteri, Eric Saindon, David Clayton, Eric Reynolds)
– Iron man 3 (Christopher Townsend, Guy Williams, Erik Nash, Dan Sudick)
– The lone ranger (Tim Alexander, Gary Brozenich, Edson Williams, John Frazier)
– Star Trek Into Darkness (Roger Guyett, Patrick Tubach, Ben Grossmann, Burt Dalton)

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Mejor documental corto

– CaveDigger (Jeffrey Karoff)
– Facing fear (Jason Cohen)
– Karama has no walls (Sara Ishaq)
– The lady in number 6: Music saved my life (Malcolm Clarke, Nicholas Reed)
– Prison terminal: the last days of Private Jack Hall (Edgar Barens)

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Mejor documental largo

– The act of killing (Joshua Oppenheimer, Signe Byrge Sørensen) 
– Cutie and the boxer (Zachary Heinzerling, Lydia Dean Pilcher) 
– Dirty wars (Richard Rowley, Jeremy Scahill) 
– The square (Jehane Noujaim, Karim Amer) 
– 20 feet from Stardom (Morgan Neville, Gil Friesen, Caitrin Rogers) 

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Mejor diseño de vestuario

– American hustle (Michael Wilkinson)
– The grandmaster (William Chang Suk Ping)
– The great Gatsby (Catherine Martin)
– The invisible woman (Michael O’Connor)
– 12 years a slave (Patricia Norris)

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Mejor edición de sonido

– All is lost (Steve Boeddeker, Richard Hymns)
– Captain Phillips (Oliver Tarney)
– Gravity (Glenn Freemantle)
– The Hobbit: the desolation of Smaug (Brent Burge, Chris Ward)
– Lone Survivor (Wylie Stateman)

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Mejor maquillaje y peinado

–  Dallas buyers club (Adruitha Lee, Robin Mathews)
– Jackass Presents: bad grandpa (Stephen Prouty)
– The lone ranger (Joel Harlow, Gloria Pasqua-Casny)

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Mejor cortometraje de animación

– Feral (Daniel Sousa, Dan Golden)
– Get a horse! (Lauren MacMullan, Dorothy McKim)
– Mr. Hublot (Lauren Witz, Alexandre Espigares)
– Possessions (Shuhei Morita)
– Room on the broom (Max Lang, Jan Lachauer)

Artículo de Pennywise para DE-G Magazine

Encontrá este artículo en la edición de noviembre de DE-G Magazine

Beep beep, Pennywise!

Las adaptaciones de las obras de Stephen King parecen nunca terminar, así como tampoco las remakes de trabajos anteriores inspirados en alguno de sus libros. Todavía con Carrie en su primera semana en cartelera en los cines argentinos, se confirmó la noticia de que el payaso más temido por grandes y chicos tendrá también una nueva versión cinematográfica. IT es quizás el libro más profundo, oscuro y también largo del escritor norteamericano, por lo que se planea trabajar la historia en dos películas. Cary Fukunaga está abordando el proyecto como director y co-escritor del guion junto a Chase Palmer.

Los seres humanos presentan por naturaleza aversión natural al riesgo, a la amenaza, ya sea real o supuesta, ya sea presente, pasada o futura. ¿Qué pasa, entonces, cuando esa emoción primaria, el miedo, se personifica? ¿Qué pasa cuando intenta darnos caza?

No por nada a Stephen King se lo considera como “el maestro del terror”, ya que juega de la manera más sofisticada y sutil no sólo con nuestros temores más profundos, sino también con nuestra intimidad. Hila nuestra cotidianeidad, elementos y personajes de la vida ordinaria, con esa dimensión desconocida y oscura que forma parte de cada ser. Cada libro, cada obra de King, es una metáfora de alguno de esos componentes, ya sea en forma de una lectora fanática psicótica, de una adolescente marginada con poderes telequinéticos, de un automóvil diabólico, de un escritor frustrado que repentinamente quiere matar a toda su familia o de un payaso maldito.

A partir de 1986, esa criatura cómica estereotipada con vestimenta y maquillaje extravagante que solía indiscutiblemente tener la función de hacer reír a grandes y principalmente a niños, se convertiría en disparador de fobias y protagonistas de temibles pesadillas… porque Stephen hacía, una vez más, lo que tan bien siempre supo hacer: darle forma a lo intangible, darle un rostro, una personalidad. En IT, cada uno de nosotros se convierte en uno de los perdedores, cada uno junta fuerzas de quién sabe dónde, para bajar a esa guarida oscura y pantanosa para así enfrentarse al monstruo que allí habita.

 Pennywise se terminó transformando en un ícono de la cultura popular, reforzándose esto cuando, en la miniserie de 1990, Tim Curry supo encarnarlo magistralmente, haciéndonos descubrir lo mucho que se puede disfrutar pasándola mal… ¿quién no se recuerda a sí mismo en su niñez, imaginando un payaso con dientes afilados asomarse por una alcantarilla un día de lluvia invitándonos a flotar?

IT nos demuestra que nunca es mal momento para volver a prender ese interruptor que apagamos al terminar la niñez, ya que la clave para enfrentar al monstruo, nos enseña deja cual moraleja, es usar la imaginación.

Encontrá este artículo en la edición de noviembre de DE-G Magazine

Beasts of the Southern Wild

Título original: Beasts of the Southern Wild
Dirección: Benh Zeitlin
Producción: Josh Penn, Dan Janvey, Michael Gottwald
Guión: Lucy Alibar, Benh Zeitlin
Música: Dan Romer, Benh Zeitlin
Reparto: Quvenzhané Wallis, Dwight Henry
Género: drama, fantasía
Duración: 92 minutos
Estudio: Journeyman Pictures, Cinereach, Court 13 Pictures
Fecha de estreno: 27 de julio de 2012

La tormenta está próxima y con ella se desatan los más inesperados temores. Ante la posibilidad de perderlo todo, ¿salimos huyendo o nos quedamos pisando más fuerte que nunca la tierra a la que pertenecemos? Los miedos de Hushpuppy (Quvenzhane Wallis),  una niña de apenas seis años que no tiene noción de las grandes civilizaciones ni de grandes lujos, se materializan en bestias gigantes que la persiguen a lo largo de toda su aventura.

Estrenada en el festival de cine independiente Sundance, Beasts of the Southern Wild  es el primer largometraje de Benh Zaitlin, joven cineasta de 30 años que por este trabajo consiguió no sólo la nominación como mejor película en la 85° entrega de los premios de la Academia, sino que también en tres categorías más, incluyendo mejor director.

Huérfana de madre y bajo la protección de su padre Wink (Dwight Henry), la pequeña vive en The Bathtup, una zona anegada al sur de Estados Unidos, rodeada de los afluentes del río Misisipi. Dueña de una filosofía de vida casi instintiva, Hushpuppy ha ido construyendo, a lo largo de su corta experiencia, una fortaleza interior llena de simbolismos y poesía. Cuestionarse cómo una criatura que sólo ha conocido ambientes de carencia y de nula educación puede formularse tales interrogantes como muestra el film, sencillamente está de más. Basta con volcarse dentro de lo que cada cosa va representando, adentrándose en el espíritu sureño de la mano de escenarios estéticamente bien logrados y con un acompañamiento sonoro a destacar.

Sin actores de renombre a los cuales tomar de referencia, las “bestias salvajes del sur” confirman que no hace falta ser una superproducción de Hollywood para ganar un lugar en el mundo de la buena cinematografía, con Quvenzhané Wallis cargando la mayor responsabilidad de que esto sea así.

La película se vuelve una apología de la vida misma, del primitivismo, del deseo de no dejarse corromper por la sociedad, por el sistema. Juega excelentemente con su título, dejando al espectador cuestionándose ¿quiénes son las bestias salvajes? ¿aquellos que defienden como animales su territorio y su lugar de pertenencia, nuestros propios miedos que vienen a darnos caza, o la misma sociedad intentando derribar nuestras creencias, nuestro orgullo más primario? No queda más que encontrarse uno mismo, cara a cara, con su propia verdad.

Carrie, Brian de Palma

Modificación de audio de una escena de la película Carrie, basada en el libro de Stephen King, dirigida por Brian de Palma en 1976, como trabajo práctico de la materia Taller de Informática I, de la carrera Lic. en Crítica de Artes, I.U.N.A.

Humano, demasiado humano

Trailer

Título original: Der untergang
Dirección: Oliver Hirschbiegel
Producción: Bernd Lepel
Guión: Bernd Eichinger
Reparto: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corina Harfouch, Ulrich Matthes, Juliane Köhler, Heino Ferch, Christian Berkel, Götz Otto.
Países: Austria, Italia, Alemania
Fecha de estreno: 8 de septiembre de 2004
Género: bélico, drama, biografía, histórica
Duración: 178 minutos en versión extendida
Idioma: alemán
Productora: Constantin Film

Imposible es que un film que toca la célula más sensible de la historia de la humanidad no sea objeto de múltiples controversias y debates. La caída (Der untergang, 2004), película alemana dirigida por Oliver Hirschbiegel, merece mención especial. Primera en tener a Adolf Hitler en un papel protagónico, narra los últimos días de vida del líder Fürer, con una visión particularmente íntima, perturbadoramente íntima, inquietante quizás también por crear una especie de clima de “arrepentimiento”, e incluso ignorancia, de aquellos testigos y, ¿por qué no?, cómplices de lo ocurrido, como es el caso de la bella secretaria Traudl Junge.

Este largometraje puede ser juzgado por mostrar el lado más humano de Hitler pero, como dijo el filósofo y escritor José Pablo Feinmann a Clarín, ¿acaso al fin de cuentas se puede excluir de cualquier persona su rasgo propio de humanidad? “El nazismo es uno de los movimientos más racionales de la historia humana”, ¿acaso no es esta nuestra condición distintiva?, ¿acaso no es nuestro estandarte de raza superior?

Puede también pecar de neutral, puede adjudicársele una falta de posición acerca de un tema que no sólo genera una postura casi instintiva, sino que también crea las más opuestas posiciones. Citando al cineasta alemán Wim Wenders (Página 12, 2 de junio de 2005), “las imágenes tienen necesidad de un punto de vista claro, de una posición que La caída sólo simula”. Búsqueda de objetividad, quizás, intento de una representación lo más cercana a lo biográfico, se concuerda con que, después de mostrar escenas de lo más crudas, deja a puertas adentro el tan esperado final del Fürer, concediéndole su deseo de intimidad, la preservación de su orgullo. Pero, ¿no podemos también ser capaces de completar el cuadro con la escena faltante de acuerdo a nuestra más profunda fantasía?

Bruno Ganz, actor que interpreta a Adolf Hitler en el film, comentó que su trabajo consistía justamente en ver un destello de humanidad en el personaje, asumiéndose una interpretación por su parte. Al fin de cuentas, ¿no es esa la labor de un artista? Humanidad, palabra ambigua, porque ser humano es ser portador de carencias, de vulnerabilidad, de sensibilidad, pero también de una latencia de desquicio, de desvastación, cólera, deseo de poder, gloria y reconocimiento, que puede dispararse de formas tan diversas que tal vez nosotros mismos terminaríamos sorprendiéndonos de lo resultante. La caída, entonces, no sería más que otro de nuestros chivos expiatorios, un recordatorio vergonzoso de lo que podemos llegar a ser capaces.

Devil inside

Título original: Devil inside
Dirección: William Brent Bell
Guión: William Brent Bell, Matthew Peterman
Producción: Lorenzo di Bonaventura
Reparto: Fernanda Andrade, Simon Quarterman, Evan Helmuth, Suzan Crowley
Género: terror, sobrenatural
Fecha de estreno: 6 de enero de 2012
País: Estados Unidos 
Lenguaje: inglés
Duración: 83 minutos
Estudio: Insurge Pictures, Prototype
Distribución: Paramount Pictures

Pocas cosas considero peores en el momento de estar viendo una película, que encontrarse de cara con la predictibilidad, y éste film es predecible por demasía.

Lo que introdujo The blair witch project en el mundo del cine, debió morir en esa misma película. El juego de la filmación insinuando que se está llevando a cabo en una situación real, que ocurrentemente siempre conllevan alguna actividad paranormal ya no causa el efecto sorpresa que causaba en sus comienzos, al menos en el público adulto. Acostumbramiento, quizás, monotonía.

¿De qué se trata? Una joven mujer norteamericana, cuya madre asesinó a tres personas (dos sacerdotes y una monja) durante un exorcismo que le estaban practicando, viaja a Roma, veinte años después de lo ocurrido, para ver a su madre que está internada en un psiquiátrico allí y para intentar buscar respuestas del hecho a través de un documental. Respuestas a qué, eso no me quedó claro.

Quizás el supuesto documental hubiese tomado un tinte de realismo si hubiera contado con buenas actuaciones y no con actores tan poco creíbles, combinado con el uso del típico recurso del silencio profundamente prolongado, interrumpido por un sonido o grito agudo, que en vez de asustar, aturde.

Hay veces que a la cámara nunca deberían haberle presionado REC.

Con sus ojos en los Oscars

Dirección: Juan José Campanella
Guión: Eduardo Sacheri, Juan José Campanella
Reparto: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino
Países: Argentina  – España 
Fecha de estreno: 13 de agosto de 2009
Género: thriller, drama
Duración: 127 minutos

Esta noche, la alfombra roja del teatro Kodak de la ciudad de Los Ángeles se vuelve a desplegar, dándole paso al evento más importante de la industria cinematográfica a nivel mundial. Los premios de la Academia llegan a su edición número 82 y, por sexta vez en su historia, una película argentina aspira a llevarse una estatuilla dorada por mejor película extranjera, tratando así de que nuestro país se lleve por segunda vez el galardón, habiéndolo conseguido anteriormente en 1985  con La historia oficial.

En esta ocasión, la ambición de triunfo la tiene el film El secreto de sus ojos, cuya dirección cae en manos del virtuoso Juan José Campanella, que tomando de base una novela de Eduardo Sacheri e introduciendo un combo de actuaciones para destacar, creó uno de los largometrajes más taquilleros del cine nacional.

Entre sus competidores se encuentra Ajami de Israel, La teta asustada de Perú, Un prophéte de Francia y Das weiber band de Alemania. Pero nuestra candidata corre con una ligera ventaja: Campanella fue nominado en la misma categoría en 2001 por El hijo de la novia, habiéndose quedado aquella vez con las manos vacías. Pero el director no se da por vencido, al parecer su sed de Oscar fue lo que hizo que dé un giro notable en la realización de sus producciones, ya que En el secreto de sus ojos se distingue con facilidad una oscuridad y profundidad no antes vistas en él.

La película tempranamente comienza a jugar con flashbacks, donde se muestra al fiscal Benjamín Espósito (Ricardo Darín) en 1974, yendo a una brutal escena de crimen que, a pesar de considerarla en un primer momento como “una más” en lo que va de su trabajo, termina marcando su vida para siempre. Tanto es así, que 25 años después, ya jubilado, decide escribir una novela sobre este caso, que lo conmovió por tener una clase de amor que él todo el tiempo se rehusaba a reconocer en sí mismo.

Campanella no dejó nada echado al azar, incluyó en esta película un cóctel de géneros como para que nadie deje de tener cierta empatía con ella, porque si bien a simple vista se la puede catalogar como un drama policial, es evidente su pizca de humor, de la mano de un Guillermo Francella que si bien sorprende, no deja de ser el mismo talentoso Francella de siempre, con o sin bigote, pero, sobre todo, es innegable que cruzó una barrera en la historia romántica de Darín con Soledad Villamil (la protagonista femenina del film), rozando ya la cursilería típica una telenovela orienrada a llenar las tardes de una señora ama de casa.

“Toda ficción es responsable de los hechos que elige evocar”, afirma Carolina Giudici en Crítica Digital, y es que en esta película se puede ver de trasfondo una situación socio-política que impactó duramente la historia argentina, pero que Campanella deja sólo de telón, como si fuera un ingrediente más en su receta de película candidata a llevarse los mejores premios cinematográficos, como si quisiera dejar en el film la impronta argentina. El director insiste constantemente en la tecla rota de la máquina de escribir que Espósito usa para la redacción de su novela, la letra A, pero deja pendiente otras dos letras iguales, evocando a la deducción por parte de espectador.

Con diálogos brillantes y tomas impecablemente realizadas, El secreto de sus ojos deja al público preguntándose por la inverosimilitud en partes de la trama, de cómo sólo una simple mirada en una antigua fotografía basta para resolver todo un crimen  de cómo un hombre común, trabajador, como es el caso del viudo (interpretado por Pablo Rago) puede encargarse él solo de vengarse, o ajusticiar quizás, a un sicario con cantactos en el poder.

Alan Pauls, en su crítica a esta película en Página 12, menciona el anacronismo como una voluntad definida, como una estrategia. Y es que Campanella esta vez puso todas sus cartas sobre la mesa, con miras a un Oscar pendiente. “El tipo puede hacer cualquier cosa para ser distinto, pero hay una cosa que no puede cambiar. Ni vos, ni él, ni yo, nadie. No puede cambiar de pasión”, y así como el asesino tenía la suya,  Campanella tiene la propia, y este film es su reflejo más fiel.

[Trabajo final de la materia «Taller de redacción de críticas» (IUNA), cuya consigna fue escribir acerca de la película «El secreto de sus ojos», simulando ser una presentación en algún medio el día mismo de la entrega de los premios Oscar, donde dicho film compitió.]